Caosmose

 

Quando olhamos a pintura de Roberto Bertoncini, estamos olhando para uma imagem de liberdade. Estamos olhando para o abandono tornado palpável. Bertoncini aborda o ato de pintar a partir de um lugar de total liberdade, sem um plano prévio ou uma estratégia definitiva. O que acabou na tela veio de sua intuição e foi um reflexo imediato de sua verdade. Pode ser alegria que ele sentiu, ou raiva, ou medo; pode ser uma imagem formada por pedaços de uma memória que ele guardou em sua cabeça, ou uma paisagem amada que guarda em seu coração. Quando encontramos suas pinturas, no meio de um olhar rápido ou casual, podemos ou não sentir o que sentiu. Podemos ou não reconhecer o significado exato que esperava transmitir. Mas a energia que fluí através dele a cada pincelada grita para nós. Ele nos prende no espaço e fala com qualquer coisa primal dentro de nós que a reconhece pelo que é: o eco vibrante, atemporal e universal do amor, da perda, da alegria, do medo, do orgulho e da dor.

Embora tenha desenvolvido um estilo próprio, a pintura de Bertoncini é um testemunho da sua habilidade de traduzir experiências pessoais e sensoriais em obras poderosas e expressivas. 

É possível em muitas de suas pinturas encontrar pistas visuais de composições, formas ou paletas de cores que sugerem uma paisagem natural, ou até mesmo encontrar ecos tênues de linhas do horizonte. Mas os tipos de paisagens que Bertoncini pinta não eram tentativas figurativas de capturar o mundo natural. Em vez disso, o artista internalizou um senso das emoções que sentia enquanto estava em certos lugares que eram queridos para ele. Tem uma sensibilidade estética aguçada e uma conexão com a nostalgia, e se esforçava para capturar a cor, o equilíbrio e a harmonia de suas obras, enquanto também comunica a energia e a emoção pessoal que associa em sua memória.

Mesmo com créditos devido à Gilles Deleuze, Félix Guattari, ao minimalismo, sua pintura moderna traz influência da aquarela japonesa: o uso de pinceladas sutis e precisas buscando a simplicidade, poucos elementos no espaço em branco. Um elemento importante na composição: cada pincelada e cada espaço em branco têm um significado. O que permite transmitir a sensação de serenidade e harmonia.

A arte de Roberto Bertoncini sempre reflete o timbre do novo, de pintura moderna. E com ela a indissociação entre vida, pintura e liberdade de expressão como única regra de conduta. O artista plástico incomoda, não cabe no formato oficial.

Muito do poder que podemos sentir nas pinturas de Roberto Bertoncini parece estar relacionado à ideia de forças opostas. Um exemplo proeminente é a maneira como afastou do chamado estilo de pintura total, no qual toda a tela é coberta com imagens abstratas, para uma abordagem composicional mais tradicional de figura-fundo, apresentando grandes áreas de branco ou tela não preparada. Mas, em vez de ver forças opostas em ação em suas composições de figura e fundo, é mais preciso dizer que as forças são complementares. Elas não se opõem nem resistem uma à outra. A figura e o fundo trocam papéis, elucidando-se mutuamente e trocando influência sobre o olhar do espectador.

Em relação a sua arte nem figurativa e nem abstrata, nestas instâncias do pensamento, Gilles Deleuze aborda como o "figural" pode surgir como uma força disruptiva dentro da própria figuração, revelando novas possibilidades. Por outro lado, na obra de Bertoncini, o figural é um elemento de ruptura dentro da figuração, um aspecto que escapa à representação direta e se manifesta através de forças, intensidades e sensações. Ele pode emergir como um "bloco de sensações" que se liberta da representação e atua como um disparador de pensamento e percepção. Torna-se um conceito que se aproxima da idéia, mas não uma representação mental, mas sim uma força virtual que ativa o pensamento e a criação. 

Da mesma forma, os outros aparentes opostos visíveis em suas obras funcionam da mesma maneira. Marcas de pincel leves complementam marcas de pincel agressivas, definindo-se mutuamente com suas diferenças relativas; superfícies densas, em camadas e impasto conferem presença a seus homólogos planos; formas geométricas ou biomórficas são exaltadas por marcas abstratas líricas. A essência unificadora que permeia a obra de Roberto Bertoncini não é uma de oposição, mas uma de engajamento com um mundo de relações complementares que se constroem em um todo harmonioso.

Ao longo de todas as etapas de sua obra “A construção do caos” (162 páginas, 1ª edição, Nuvem Editorial, São Paulo, 2025), uma sensação duradoura de energia e vitalidade está presente nas pinturas, seja através de suas pinceladas, suas composições, suas harmonias ou seu uso de opostos complementares. Suas pinceladas tornaram-se pulsantes, eletrificadas e quase vibracionais. Cada nova fase comunica a ideia de um novo começo indeterminado e, portanto, é inerentemente comunicativa de algo esperançoso e novo.

Suas pinturas transmitem uma ampla gama de emoções, desde a alegria e a exuberância até a melancolia e a introspecção, refletindo sua própria experiência de vida e seu envolvimento com o mundo ao seu redor. 

Um universo de emoções se abre no livro, saltando das superfícies de suas pinturas com um frenético senso de imediata. Podemos descrever a fonte dessa imediata frenética comparando a sensação de um orgasmo ou como andar de bicicleta sem as mãos. Ambas as descrições falam da alegria absoluta da liberação emocional possível com um ato de total entrega. E ambas falam da expressão da honestidade humana só possível quando alguém está livre.

De fato, trata-se de um livro de arte, que resgata a memória de um período do artista plástico, sempre criativamente bem resolvido, que não pode faltar na estante de quem realmente gosta de artes visuais.